Réalisé par David Finscher, à qui l’on doit de grands succès comme The Social Network (qui sans être exceptionnel a quand même un coté intriguant), ou encore L’étrange histoire de Benjamin Button, avec un budget de 100 millions de dollars américains, et avec le concours de Daniel Craig (James Bond) et Rooney Mara (vue dans The Social Network), on ne peut s’attendre qu’à une petite bombe, et effectivement, c’est ce que l’on a.

Tout commence avec un vieil homme discutant de façon énigmatique au téléphone… puis vient le générique, et quel générique! Il est tout bonnement superbe, et a le mérite de nous mettre dans l’ambiance. Vous vous souvenez du générique de James Bond, Le monde ne suffit pas? Et bien c’est avec des éléments similaires qu’il a été créé, une substance noire enrobe tout élément capable de se mouvoir, coule langoureusement, s’enflamme. Ajoutez à ceci une remix de Led Zeppelin et leur titre Immigrant Song, l’enthousiasme que suscite ce générique est étonnant.

Mais ne commentons pas uniquement le générique, surtout pour un film qui se paie le luxe de durer deux heures et demie. deux heures sombres et délectables: on y découvre un homme (Mikael Blomkvist, Daniel Craig) à priori brisé, prit dans la tourmente suite à la perte d’un procès menaçant sa carrière et la fragile santé économique du quotidien Millenium, pour lequel il travaille.

Parallèlement,  une jeune assez perturbée (Lisbeth Salander, Rooney Mara), se débrouille dans la vie en faisant des enquêtes très poussées pour le compte de clients fortunés. Placée sous tutelle depuis son adolescence, elle ne peut bénéficier de son argent comme elle l’entend et doit rendre des comptes à un assistant social dont l’activité sexuelle ne doit être assurée que par l’intermédiaire de son job…

Un jour, un puissant industriel veut s’offrir les services de Mikael pour retrouver un membre de sa famille. On découvre alors une famille brisée, personne ne semble parler à personne, les idéologies se percutent, certains sont d’anciens Nazis, d’autres assez ouverts, certains manipulateurs (inutile d’en dresser une liste exhaustive, je vous perdrais) … mais enquêter seul ne va pas suffire, alors que la pression monte autour de ses investigations, il va demander de l’aide à celle qui a réalisé une très poussée enquête sur lui: Lisbeth.

Je n’envisage pas de vous casser le suspens, aussi, je ne vais pas détailler davantage le scénario. Examinons plutôt le jeu des acteurs, Daniel Craig tout d’abord, qui contrairement aux traits de super-héros qu’on lui prête grâce à M, se veut ici assez fragile, il essaie de garder une vie normale après sa défaite devant les tribunaux, et, attiré par l’idée de se venger, va se jeter dans l’incertitude. L’acteur reste quand même en mesure de donner une certaine droiture au personnage, qu’à bien des reprises il aurait pu perdre, une certaine poigne émane de son jeu, et on y adhère vraiment. Rooney Mara se veut noire, bien au delà du maquillage, son personnage, perturbé je le rappelle, est rendu intriguant, et assez vite, on se plie à son jeu: que fait-elle, pourquoi, comment, jusqu’où peut-elle aller, pendant combien de temps va-t-elle tenir, … autant de questions auxquelles le site va donner une mesure d’importance grandissante, de la petite fille associable, on passe à une justicière sans remords, prête à faire régner l’ordre, et surtout à gagner du respect.

L’enquête, puisqu’il en est question tout au long du film, est vue comme un puzzle, mélangé à d’autres puzzles. Une pièce est un bout de papier avec des notes, l’autre est une Bible, des photos complètent le tout. Toutes ces pièces s’assemblent et finissent par converger vers un seul point, que les deux héros vont découvrir de façons différentes, et surprenantes. Mais dans cette symbiose de pièces, se trouvent des embûches de poids incarnées dans les personnages, certains vont aider, d’autres retarder. Et si le secret reposait dans la foi?

Concernant la bande son, et bien c’est une merveille, la musique accompagne les moments importants du film, qui, si l’on considère que les instants sans musique, est relativement plat; réellement, la musique vient pimenter l’enquête. Et puis avec de grands titres, on en prends plein la vue, euh, les oreilles plutôt. Deux titres que j’ai particulièrement aimés:

1. Immigrant Song – Karen O, Atticus Ross, Trent Reznor
2. Is your love strong enough ? (une merveille) – How to destroy angels
3. Des extraits des autres titres sont disponibles ici.

Donc pour mon avis personnel et global, je dirais que ce film est une réussite, autant au niveau de l’intrigue, que du haut niveau de jeu des acteurs, qui honnêtement, est de plus en plus rare dans les grosses productions. Je recommande donc ce film plus qu’avec enthousiasme, en revanche, si vous avez l’âme sensible, passez votre chemin, le film est d’ailleurs interdit aux moins de 12 ans, certaines scènes peuvent choquer.

Millenium – Les hommes qui n’aimaient pas les femmes – 18 janvier 2012 – Sony Pictures 

Mais avant de parler du film, recalons un peu le contexte: sur une brocante, Tintin, jeune reporter ayant à son actif plusieurs arrestations et démasquage de complots, achète une maquette d’un superbe navire: la Licorne. Mais stupéfaction, dans le même temps, deux autres acheteurs se présentent et insistent fortement pour l’emporter. Tintin décide donc de se renseigner sur ce mystérieux bateau, et ne tarde pas à mettre à jour une organisation clandestine.

Un cadre très simple et à la fois aguicheur, il n’en fallait pas plus pour Spielberg (à qui, mais c’est inutile de le rappeler, on doit E.T., Indiana Jones, La guerre des mondes…) en fasse un long-métrage. Mais comment réinventer ce qui manifestement est figé dans la tête de tout le monde par les différentes adaptations déjà réalisées?

Tout d’abord la technique, Spielberg a choisit de ne pas créer ses personnes à partir de rien et seulement via informatique: tout le film a été réalisé en Motion Capture: des acteurs avec des capteurs bougent sous divers instruments enregistrant leurs gestes et permettant de les appliquer à une modélisation informatique. Ensuite, les textures et les formes choisies dans le film se veulent à la fois colorées (à l’exception du générique, où seules 5 couleurs dominent au maximum à chaque séquence), à mi chemin entre le réel et l’irréel, sans pour autant devenir artificielles.

Au niveau de l’action, qui dans la plupart des films d’action pour jeune public n’est pas très palpitante, ici, on est servits! Certes, vous ne verrez pas d’effusions de sang lors de la succulente bataille entre la Licorne et le navire de Rackham le Rouge, ni lors de la course-poursuite moto versus voiture dans la ville, encore moins lors de la bataille de grues dans le port. Mais honnêtement, est-ce que cela manque? Pas du tout!

Concernant les personnages, le plus délectable d’entre eux est sans conteste Haddock, dont la répartie est extraordinaire, comme son penchant pour l’alcool, largement exacerbé. Tintin a une bouille d’éternel ado, comme Hergé l’a voulu dans ces bandes-dessinées. Les Dupont, un peu longs à la détente, les méchants naïfs… Bref, tout est là, et l’univers de Tintin est donc préservé et largement restitué.

Mais quid du réalisme, on assiste parallèlement à une modernisation de Tintin, qui ne crie « Sapristi! » que 2 fois, le film colle donc mieux au français parlé actuellement, il faut dire que pour viser un public jeune, c’est plus judicieux. L’époque n’est cependant pas revue, Tintin est toujours reporter dans les années 1930/1940, les voitures d’époque sont là pour nous le rappeler (et pour le coup, il y en a une bonne tripotée!).

Pour conclure, je dirais que Les aventures de Tintin: Le secret de la licorne est un film très réussit, fidèle à l’univers d’Hergé (qui est d’ailleurs le premier personnage que l’on voit apparaitre dans le film). Spielberg a su conserver une histoire cohérente et modernisée à la fois, sans que cela choque et sans créer d’anachronisme. Un film que je ne saurais trop recommander aux familles avec enfants, car Tintin, tout le monde le sait, c’est de 7 à 77ans!

Concernant le suite des aventures, sachez que Steven Spielberg produira deux autres films issus de l’œuvre d’Hergé!

Sortie en France le 26 octobre 2011 – Sony Pictures Releasing France

Sur le papier, pas de doute donc, c’est un Marvel. Mais avant d’entrer dans le débat Marvel/Pas Marvel, penchons-nous sur le film. Coté histoire, on retrouve quelques éléments historiques bienvenus comme l’Allemagne Nazie évidemment, mais également les réponses mises en place par l’Amérique et la célèbre affiche (qui n’est qu’un détail!) « I Want You for US Army ». L’atmosphère se veut aussi être particulièrement 40′s avec ses vieilles voitures (qui ne manquent pas de charme!), ses vieilles boutiques, espions, agents infiltrés et j’en passe, mais également très américaine avec un patriotisme très perceptible.

Le film démarre assez lentement, on nous présente un petit être chétif qui tente par tous les moyens de rejoindre l’armée, poussé par le besoin de défendre sa nation. Le film bascule au moment où le professeur Erskine vient voir le héros pour lui proposer de devenir un super-soldat. Là, le film prend une tournure plus grandiose: l’Amérique réapparait sous son plus beau jour, par l’enthousiasma du personnage, on sent que quelque chose va se passer, et l’on veut voir quoi, si bien qu’au final, on croit carrément aux capacités du personnage, bien avant qu’il ne devienne un super-soldat. Il fini par devenir attachant, loin du pitoyable petit gringalet qu’il était au début.

Les effets spéciaux, on peut en parler, un peu… Ils restent globalement assez discrets dans le film, mais sont justement dosés pour que l’on en est pour notre adrénaline, les voitures explosent, les usines s’auto-détruisent, les tanks tirent… C’est juste au point de ne pas être lourd!

Concernant la mixture Marvel, j’avoue avoir été très surprit. J’aime beaucoup l’Amérique (enfin, certains aspects américains plus que d’autres quand même), et ce film est vraiment un film à l’américaine que Marvel ces derniers temps ne présente plus (il y a Thor, qui se passe dans l’au-delà, Spider-man aussi qui se cherche une identité en permanence…), dur sur certains points, sec sur d’autres, toujours sûr de lui. L’histoire d’amour (oui, parce qu’il en fallait une!) est personnellement comme je les aime: pas trop présente. C’est un choix d’ailleurs discutable puisque cela fait du personnage principal un homme assez éloigné, avec un petit coté asocial. Heureusement qu’un drame va réussir à lui tirer quelques larmes, sinon, l’on pourrait croire qu’il est psychopathe.

Ces choix d’ailleurs, font que certains n’ont pas apprécié le film à cause d’une histoire trop peu proche et qui mélange les générations: on est en plein dans les années 1940, mais on va retrouver un pouvoir divin ancestral, des machines de guerre que l’armée américaine n’a pas inventé (dans le film et dans le monde réel, encore aujourd’hui même), un super-héros typique… Certains vont même jusqu’à ce demander si Marvel n’aurait pas perdu le sens du film de super-héros…

Pour mon avis, j’ai adoré, le coté Marvel des temps anciens m’a carrément scotché sur mon siège, les machines de guerre improbables et les professeurs fous, j’en raffole donc forcément, vu qu’il y en a… L’Amérique est montrée sous un jour qu’elle a réellement eue (quand on considère ce qui se passe sur leur territoire en omettant Mr. America). C’est donc un film que je recommande chaudement, pour les adeptes de réalité légèrement fantasmée. Les puristes Marvel n’apprécieront que moyennement et les cinéphile, encore moins je pense. En famille dès 12 ans, c’est en tout as un bon moment assuré! La 3D ne me semble pas indispensable.

Captain America: The first Avenger, sortie en France le 17 aout 2011, Paramount Pictures France, Marvel.

Si globalement la presse s’entend à dire que le film est bien, le public lui semble carrément conquis. Et il y a de quoi! Tenu en haleine depuis le quatrième film, La coupe de Feu, quant à ce qui adviendra dans le futur entre Voldemort et Harry, il fallait une fin en apothéose. D’ailleurs concernant cette dernière, les avis diverges: il y a ceux qui ont lu le livre et ceux qui comme moi ne l’ont pas lu. les premiers sont mitigés dans leur opinion du film, les autres enchantés.

Le découpage en deux films du dernier livre m’avait d’abord laissé sceptique, puis j’avais vu Les reliques de la mort, partie 1, qui m’avait conforté dans cette opinion, mais ce dernier film de la saga justifie le découpage, on prend ainsi le temps de s’intéresser à certains détails (sans trop détailler quand même parait-il) qui expliquent certaines pistes laissées dans les autres films: quand Rogue tue Dumbledore par exemple dans Le prince de sang mêlé, Quand Rogue (encore lui) décide d’aider Harry à empêcher Voldemort de rentrer dans son esprit, quand la mère d’Harry décide de faire pour lui le sacrifice ultime, pourquoi Harry est « connecté » à Voldemort… Cet épisode de fin résout absolument tous ces mystères.

Concernant le style de film, il y a pour moi une rupture avec les autres films, si on ne considère que les 3 derniers, dans la façon de mener l’action. Puisqu’en effet, pour ce film, on peut réellement parler d’action. Il y a de tout: des explosions, des morts, des dragons qui volent, des wagonnets qui déraillent, des bagarres (heureusement!). Le lancinant suspens qui était peu à peu devenu maitre dans les autres films disparait, et pourquoi donc le regretter? On ne s’ennuie pas pendant le film, il n’y a presque qu’à se laisser guider, les rebondissements sont nombreux.

Cependant, un point regrettable doit être souligné: on ne voit pas assez l’action du point de vue des personnages. Je m’explique avec un exemple très clair: Il semble dans le film que Dumbledore soit un personnage encore plus mystérieux qu’il ne le laissait paraitre dans les autres opus. Problème? Bein on en sait guère plus. Ce manque de subjectivité des personnages va jusqu’à se ressentir dans les dialogues, puisque beaucoup d’entre eux (enfin, sur le peu qu’il y a) sont assez vides. On ne ressent par exemple pas la rage de Voldemort quand ses horcruxes sont détruits (oui, il commet quelques meurtres, certes, mais c’est tout).

Concernant le public ciblé, c’est très net: si vous n’avez pas vu les autres films, et principalement la première partit des reliques de la mort, vous aurez beaucoup de mal à suivre! Ensuite, les quelques morts et le sang qui jaillit font que le film ne s’adresse pas non plus à de trop jeunes enfants. Cependant, vous l’aurez comprit, moi j’ai tout simplement adoré, donc je le recommande les yeux fermés, si vous aimez Harry Potter et les grandes épopées, allez-y!

Et maintenant? Les films, c’est fini, les livres aussi. Que reste-t-il donc? Un parc d’attraction va ouvrir ses portes aux Etats-Unis, à Orlando pour être précis. Poudlard y sera reconstitué, tout comme Pré-au-Lard (le village). Des manèges à sensation seront présents (on parle d’un truc avec des bras qui vous balance dans tous les sens). J.K Rowling participe étroitement au projet et a déjà approuvé les plans, l’univers Potterien sera donc bien restitué pour les grands fans.

Harry Potter et les reliques de la mort, partie II. Réalisé par David Yates, financé par Warner Bros. Sortit officielle en France le 13 juillet 2011.

Premier point important à soulever, il s’agit d’un film des studios Marvel, donc une adaptation d’un comics sortit en 1962, soit il y a presque 50 ans, donc un « gros morceau » de travail à réaliser dessus pour certainement le mettre aux gouts du jour. Pour la petite histoire, le film est présenté officiellement avec cette description:

Au royaume d’Asgard, Thor est un guerrier aussi puissant qu’arrogant dont les actes téméraires déclenchent une guerre ancestrale. Banni et envoyé sur Terre, par son père Odin, il est condamné à vivre parmi les humains. Mais lorsque les forces du mal de son royaume s’apprêtent à se déchaîner sur la Terre, Thor va apprendre à se comporter en véritable héros… (copyright Marvel Studios)

Sur le coup, on peut se dire que l’histoire est tout à fait banale, ce n’est pas le cas. En fait, je dirais que ce qui ne va pas, c’est cette description, elle est quelque peu fausse. Les « actes téméraires » et les « forces du mal » dont on cause ne sont en fait qu’une machination mise en place par Loki, le frère de Thor, afin d’accéder au pouvoir. Non, je ne vous raconte pas la fin du film, en fait, dès les premières images du royaume d’Asgard, vous le comprendrez: Thor est un petit garçon blond aux yeux bleus, Loki a les yeux verts et est brin, inutile donc de préciser que la couleur est annoncée dès le début, et que ce dit début augure la suite du film.

Thor, et son père

Le film se veut aussi être un parallèle intéressant entre une vie moderne, aux Etats-Unis (on y voit d’ailleurs souvent diverses stations essences, quelques références à une marque connue de quelques technophiles et surtout, des caravanes et des grands vans), et une vie traditionnelle, entre magie et science, où les codes déontologiques semblent jouer une place importante. Ce décalage d’ailleurs vaudra à notre héros quelques déboires, comme lors de son arrivée sur Terre où il refusera catégoriquement l’aide qui lui est offerte sous prétexte qu’il est un (futur) roi. Mais cela a le mérite de tortiller les spectateurs de rires.

Loki, le frère de Thor

Et que ne serait un film américain sans une dulcinée? Thor tombe amoureux, certes personnellement, je suis horripilé de voir les héros (ou les héroïnes) tomber amoureux comme une feuille tombe d’un arbre en automne, mais je dois quand même avouer que là, l’histoire passe plutôt bien puisque Marvel nous a évité les longues tirades d’amour auxquelles on a traditionnellement le droit, tout juste un baiser et quelques mots doux, c’est largement suffisant.

Mais une femme auprès du héros ne fait pas tout, il faut des obstacles. Et là, on a la quasi totale: les fédéraux, le méga-monstre mi-robot mi-brasier, les géants de glace, le frère jaloux, le père indigné, les pouvoirs magiques abrogés, le taser… je dirais bien qu’il manque la panne d’essence inopinée au milieu de nul part avec le héros comme conducteur et sa douce à l’arrière mais comme je vous l’ai dit, le film ne s’attarde pas sur la drague.

Thor, et un fédéral

Coté sonorité, la bande originale ne vaut pas celle de super-productions comme Sucker Punch ou Kick-Ass certes, d’ailleurs, c’est pas vraiment le but d’un Marvel. On a le droit aux pas puissants des géants, de quelques ZionZiouaaa pour les voyages dans l’espace, quelques BRAOUUUM! pour les explosions (les amateurs seront d’ailleurs ravis). Mais rien de véritablement scotchant (c’est dommage d’ailleurs).

Pour conclure sur cette très longue description, j’ai adoré. L’enchainement est excessivement limpide, il ne s’agit pas d’une adaptation bâclée, là, on suit tout parfaitement, on comprend réellement ce qui se passe, aucun moment important n’est passé sous silence et narré plus tard ou rattrapé d’une façon ou d’une autre. On s’attache au héros (et à son frère maudit, un minimum), ce qui renforce le (petit) coté tragique de la fin. Et surtout, on a pas le temps de s’ennuyer. Les moments les plus lents, les plus mystérieux, où le suspens est roi passent finalement très vite et très bien (pas de trucs en trop comme des souffles dans le vide, des craquèlement de branches d’arbres…). Les moments les plus intenses font raisonner en nous comme une envie d’aider les protagonistes, à la limite de la prise de partit même! Bref, je recommande, tout en soulignant qu’en dessous de 10 ans, les petit(e)s peuvent ne pas apprécier.

C’est donc dans un style affirmé et bien rodé que Baby Doll, une jeune fille sans famille, hormis un beau-père satanique, se fait enfermer dans une maison de fous (Lennox House for the Mentaly Insane) dont les actions du directeur sont toutes aussi étranges. C’est alors que, dans ce monde où la joie n’a pas sa place, Baby Doll va utiliser ses talents de danseuse pour s’extraire de la vie qu’elle mène et rêver.

Tout au long du film, nous avons donc deux mondes qui s’affrontent littéralement: d’un coté la réalité, sombre et peu réjouissante de l’asile, où Baby Doll va danser, et un monde en guerre de l’autre où Baby Doll et son équipe de choc (composée d’autres internées) vont combattre des méchants de tous horizons (Samouraïs, Nazis, Dragons…) échappés de son imagination et grâce auquel elle va faire bouger les choses, en vue de s’échapper.

Le slogan (original) du film, « Vous ne serez pas préparés » est largement justifié: l’histoire y est déformée, ainsi, les Nazis dont on sait aujourd’hui qu’ils étaient forts en chimie réussissent à faire revivre les soldats morts au champs d’honneur (image ci-dessous), elle est également extrapolée, un train avec une bombe super-puissante (mais pas nucléaire pour autant) est farouchement gardée par des humanoïdes-robots. Enfin, le plus fort dans tout cela, c’est que l’on croit, pour peu que l’on soit un minimum dans le film, à l’existence de toutes ces lubies, s’enchainant apparemment sans raison, elles suivent en réalité un ordre chronologique, à l’image d’un but -la liberté- qui avance, qui se rapproche et qui en fin nous dépasse.

La fin justement parlons-en, sans en dévoiler les intrigues, contentons-nous des rouages. Seul une patiente réussit à s’échapper de l’asile, mais quand on la croit en sécurité, il s’avère que son passé la rattrape, c’est alors qu’intervient un homme, ce même homme qui dirige les rêves de Baby Doll. Comment donc expliquer cela?

La première solution, la plus simple, consiste à croire à la coïncidence, mais ce serait trop simple. La seconde est de se dire que Baby Doll a rêvé d’un homme qu’elle a croisé auparavant dans sa vie, cet homme étant donc bien réel, on peut le retrouver sans explications farfelues dans la vraie vie, non rêvée. Ou alors, troisième solution, on peut se dire que la fin ne répond pas au début. Chose assez peu banale dans un film de cette envergure. En s’attachant donc à quelques détails, comme le fait que le film commence dans une salle de théâtre, dans une chambre recomposée, et que la fin du film se termine avec la personne vue dans les différents rêves de Baby Doll, qui plus est avec une coloration de l’image assez emblématique des rêves (dans ce film en tout cas), on peut supposer que l’on se trouve dans l’imaginaire de Baby Doll, ce qui permettrait donc de relier le début à la fin, la boucle serait bouclée.

Coté tournage, on a du lourd! Les effets spéciaux sont extraordinaires (je ne l’ai pas vu en 3D mais je suppose que cela doit bien rendre) et très travaillés. L’image est tantôt froide, tantôt colorée, afin de distinguer rêve et réalité ou pour être plus précis, fatalité et liberté. Les slow-motion font aussi légion, mais ça, c’est un peu la spécialité de Snyder, mettant en avant les armes et évidemment les actrices (sur lesquelles je reviens juste après). On notera également la présence de musiques très très en accord avec le film (liste en bas de ce billet), l’ouverture sur Sweet Dreams par exemple se veut être tout bonnement l’annonce du déroulement du film.

Coté acteurs et actrices maintenant, Snyder fait la part belle aux actrices aux formes très mises en valeur: Emily Browning (Baby Doll), Jamie Chung (Amber), Jena Malone (Rocket), Abbie Cornish (Sweet Pea) et Vanessa Hudgens (Blondie, vu dans High School Musical), l’affiche du film suffit à attirer l’œil du chaland qui, s’il cherche à voir ce qu’il a aperçu, sera servit. Quand aux acteurs, de sexe masculin j’entends, ils sont farouchement rabaissés: le cuisto (Malcolm Scott) un peu gras manque de se faire tuer, le proprio-proxénète-médecin (Oscar Isaac) finit par se faire arrêter (une sorte d’Happy End en fait…), le maire est un peu beaucoup enrobé, il aime les cigares et les filles pas de son époque…

Pour conclure, je dirais que j’ai adoré, il n’y a pas d’autre mot! L’histoire se veut résolument geek, mais n’importe quel public peut aimer, pourvu qu’il soit friand d’effets spéciaux, et pas trop jeunes, certains scènes peuvent être très choquantes pour les plus jeunes. Je recommande (et je ne m’attarde pas sur le sujet, c’est suffisamment rare ces derniers temps que je prenne le temps de faire un billet et que dedans, je signale que ce soit un film à voir!).

Liste des musiques du film (par ordre d’apparition) – Acheter sur iTunes

• Sweet Dreams (are made of this), Emily Browning
• Army of me (remix spéciale pour le film), Björk ft. Skunk Anansie
• White Rabbit, Emiliana Torrini
• I want it all, Queen ft. Geddy
• We will rock you, Queen ft. Geddy
• Search and destroy, Skunk Anansie
• Tomorrow never knows, Carla Azar et Alison Mosshart
• Where is my mind?, Yoav et Emily Browning
• Asleep, Emily Browning
• Love is the drug, Carla Gugino et Oscar Isaac

Film de Zack Snyder pour Warner Bros Pictures, sortie française le 30 mars 2011

Manque de chance, un internaute s’est interrogé sur la provenance de cet avion, qui ressemble beaucoup à un F-5 américain, serais-ce une contrefaçon de plus? Non, il s’agit simplement d’images tirées du film Top-Gun. La chaine les a un peu retouchées pour faire croire à un film réel (vous rajoutez de la pixellisation, un peu de luminosité et vous recadrez le tout).

A droite, le film, à gauche, le reportage

Sympa, non?

[Korben]

Ok, j’avoue, troller un peu pour la sortie de l’âge de glace 4, c’est un peu facile, mais j’aime assez ce trailer, qui annonce que l’histoire sera la suite du film 3 (notez le T-Rex quand Scrat tombe, c’est sans équivoques!). La question reste cependant entière: Scrat arrivera-t-il un jour à rattraper son repas?

Les Petits Mouchoirs est un film français réalisé par Guillaume Canet, avec comme acteurs principaux (liste non exhaustive) Marion Cotillard, Benoit Magimel, Gilles Lellouche et Jean Dujardin et ce, pour le compte d’EuropaCorp Distribution.

Pour l’histoire, il s’agit d’une bande d’amis qui souhaite, comme chaque année, prendre des vacances chez Max (François Cluzet) au bord de la mer. Mais quelques jours avant de partir, l’un d’entre eux se fait renverser par un camion alors qu’il était en deux roues. Emmené d’urgence à l’hôpital, les amis se demandent s’ils doivent ou non annuler leurs vacances pour rester à ses cotés. Finalement, ils partiront, mais moins longtemps. On verra surgir des tensions entre les membres du groupe, aucun ne sera épargné, qui finiront par achever les vacances dans la tristesse.

Max, en pleine déprime

Le film traite des thèmes d’actualité au sein d’un groupe, un peu comme Zola le faisait dans ces romans (vous mettez des gens dans une salle et vous regardez ce qu’il se passe) sous le thème plus général des vacances et de la détente.

Le premier thème évoqué est aussi l’un des plus récurrents; il s’agit de l’homosexualité: Vincent (Benoit Magimel) avoue à Max qu’il a des sentiments pour lui. Lui, ne s’attendant pas à un tel aveu (d’autant plus qu’il est marié), ne sait évidemment pas comment le prendre: bien, mal, de haut… Cette question va le ronger pendant tout le séjour jusqu’au moment où il « explosera » de façon plus ou moins involontaire, remettant drastiquement en cause la grande amitié entre lui et Vincent.

Un autre thème très important, si ce n’est LE plus important: l’amitié et les relations entre amis: peut-on tout dire ou faire devant ses amis? Tout au long du film, le groupe se retrouve morcelé, entre le problème que pose Vincent à Max, la pelouse de la résidence qui n’est pas tondue, les nuisibles qui s’y sont installés, les problèmes de cœur de Marie (Marion Cotillard), Eric (Gilles Lellouche) et Antoine (Laurent Lafitte). Ces soucis entraineront bien évidemment des dérapages et la vie en communauté imposera que tout le groupe en profite. L’ambiance globale se veut d’ailleurs assez tendue à cause de ces problèmes. Ensuite, et cette question n’intervient qu’au début et à la fin du film, comme un écho: peut-on laisser un ami seul quand il a de graves soucis? La réponse choisie par Guillaume Canet ici est le « oui mais », est-ce à causse de ça que les vacances ne seront pas très reposantes? Le film ne répond pas à cette question, tout au mieux laisse-t-il de solides éléments de réponse.

Enfin, je vais terminer cette description des thèmes par un thème qui est beaucoup plus subtil et auquel on ne prête pas forcément attention: la cigarette et l’alcool, avec des répliques subtil (Max « Je vais racheter du vin, vous avez une sacré descente! ») et des scènes rapides (Max -encore- se cache pour fumer dans le but de se détendre), on est quand même amené à se demander si les vacances auraient pas été plus joyeuses sans ces deux produits omniprésents (les scènes où Marion Cotillard (dans le rôle de Marie) n’a pas de cigarette dans la bouche ou n’est pas en train de s’en « rouler une » sont rares, dommage).

Le traitement de ces thèmes et leur imbrication aurait pu être sujet à embrouilles, éparpillement de la part de Guillaume Canet qui s’en démêle finalement très bien puisqu’il ne s’égare pas et ne donne pas (ou très peu) de pistes non (un minimum) suivies vis-à-vis de ces sujets. Cependant, nous pouvons lui reprocher dans la mise en scène, des personnages caricaturés pour lesquels les actions (dérapages notamment) sont systématiquement poussées à leur paroxysme voire parfois exagérés. La musique accompagne aussi beaucoup le film, certains croiront que c’est pour signaler en gros « Attention! C’est le moment de pleurer » en pleine action tragique, personnellement, je les trouve bien vues puisqu’elles guident en quelque sorte la pensée du spectateur et le force, de part leur rythme, paroles (…), à reconsidérer ce qu’il est en train de voir afin d’en (re)sentir la juste mesure. Les thèmes abordés sont à mon avis eux aussi très bien choisis, bien cernés et traités et surtout, tous sans exception, d’actualité, ce que l’on voit rarement dans une production française. Du début à la fin du film, on suit les personnages, certains très humains (Marie, Jean-Louis (Joël Dupuch)…), d’autres très antipathiques (Max…), d’autres encore très forts (Véronique (la femme de Max, jouée par Valérie Bonnneton)…) ou très absents (Antoine…) et on finit par s’y attacher ou même s’identifier à eux. Ce brassage de personnalités rend compte du fait que dans un groupe, malgré l’amitié qui lie les différents intervenants, on est pas tous pareil et à la fin du film, le message est clair: Soir on l’accepte, soit l’amitié s’en va.

J’ai lu à bien des reprises que ce film a été moyennement bien accueilli par la presse spécialisée. Il est vrai que certaines convenances sont bouleversées, que certaines façons de faire sont quelque peu rejetées et alors? Le cinéma n’est-il pas de l’art, et l’art, n’a-t-il pas le devoir de bouger? En l’occurrence, Guillaume Canet nous offre ici un film, une œuvre cinématographique pure, seulement, elle est accessible à tous: cinéphiles comme novices (en la matière).

Pour conclure, je vous invite à aller voir ce film (prévoyez du temps, 2h30, c’est quand même pas mal), en revanche, pas en famille, les plus jeunes ne suivront rien.

C’est sans connaitre le moins du monde le sujet qu’hier j’ai été voir ce film, non sans appréhension vu que le titre ne m’inspirait pas. Néanmoins, je dois avouer que j’ai été très surpris – et agréablement qui plus est – par la fraicheur du personnage principal, Adèle Blanc-Sec qui fera tout pour rendre à sa sœur un semblant de vie normale puisque suite à un accident cette dernière est paralysée, mais vivante. Pour cela elle tentera de faire revenir à la vie une momie de 5 000 ans, présumée médecin et affrontera un Ptérodactyle, se transformera en none…

Ce film a été réalisé par Luc Besson (Arthur et les minimoys pour ne citer que le plus connu) pour Gaumont-Pathé et est sortit le 14 avril, il dure 1h47 (et surtout à la fin pendant le générique, ne partez pas, il y a un bout de film caché après les noms).

La première chose qui frappe, c’est le début du film qui est narré, on nous le présente comme un film pour enfant, mais avec une pointe de sérieux, le premier personnage que l’on voit est un personnage « secondaire », je dois avouer que cette simple extravagance a captivé mon attention dès le début et je n’ai manqué par la suite aucun passage!

La seconde chose appréciable, c’est l’incroyable fraicheur et franchise du personnage principal, Adèle qui n’hésite pas à se déshabiller devant une momie, à se moquer d’un policier, à mettre le feu à un tombeau… Chaque instant où elle fait une apparition, même quelconque est délectable!

Un brin d’Indiana Jones, au début en tout cas, on s’y croit, dans une expédition en Egypte, où Adèle veut découper un chameau en rondelles, elle déchiffre (mystérieusement) des codes inscrits dans une pyramide (au passage, j’en profite pour signaler que ce qu’on voit dans les films, à savoir des engrenages et des pièges dans tous les sens dans les tombeaux sont faux, une pyramide ressemble plus à un labyrinthe qu’à une machine!), un brin intrépide, elle défie des forces de l’ordre venu l’exécuter pour avoir profané un tombeau, demande comme dernière volonté de fumer une cigarette mais en profite pour mettre le feu à une nappe de pétrole, s’enfuir avec la momie (c’est un passage très comique d’ailleurs).

On voit également tout le génie de la mise en scène de Besson, les transition par exemple entre les différents plans s’enchainent comme par magie, on se rend compte qu’on change de scène, mais dire comment, on ne peut pas! Ensuite, les plans sont très soignés, les gros plans sur les personnages s’enchaine très bien avec les travelling et les grands angles (qui servent à montrer la grandeur de la capitale Française).

Même si l’histoire est très comique, elle se tient parfaitement, on a quand même affaire à un film fantastique certes, d’ordinaire je n’en suis pas fan d tout, mais il y a très peu d’effets spéciaux (à l’inverse par exemple, d’Alice au pays des merveilles).

Donc pour conclure ce petit (très petit) tour d’horizon, même si le film est à partir de 10 ans, il est extraordinaire même pour les grands qui percevront quelques pointes non destinées aux petits. C’est donc à voir en famille si vous souhaitez passer un très bon moment, si vous n’aimez d’ordinaire pas les films de Luc Besson, vous risquez quand même d’être surpris car la rupture entre Arthur et Adèle est très perceptible!